Wie oder was?

Zur Diskussion um den Zustand einer Mainstreamkultur sind mir interessante Gedanken eines Künstlers untergekommen, von dem es zwar auch Bücher gibt, der aber bildender Künstler ist. Er redet von einer Periode der Dekadenz und beschreibt diese so:

Künstler sehen in solchen Perioden den äußeren Erfolg als höchsten Wert, kümmern sich vorwiegend um materielle Belange und technischen Fortschritt in ihrer Kunst. So wird der Idealkünstler zur Verkörperung des großen Erfolgs. Der Autor nimmt wahr, dass diejenigen, die das durchschauen und nach anderem hungern, von KollegInnen als unnormal behandelt werden. Man macht sich auch gern über sie lustig.

Weiter stellt er fest, dass in dieser Zeit der minimalisierten Kunst das einzige Ziel zu sein scheint, Objekte immer wieder und in großer Menge zu reproduzieren, es ähneln sich die Werke mehr und mehr, sie werden austauschbar.
"Aus der Kunst verschwindet die Frage des "Was". Was bleibt, ist nur noch die Frage nach dem "Wie"" - seelenlose Kunst nennt er das.

Seine Beobachtungen sind erstaunlich: Solche Mainstream-Künstler geben nur noch vor, sich ums Publikum zu kümmern, in Wirklichkeit scheren sie sich gar nicht mehr darum. Es wird modern, kein Rückgrat mehr zu haben, nichts zu sagen, was auffallen oder querlaufen könne, sich möglichst nur noch in Details von anderen Künstlern zu unterscheiden - und am besten in angesagten Kreisen aufzufallen. Solche Kunst sei einfach, fabrikartig zu schaffen, "mit kaltem Herz und eingeschlafener Seele". Und weil durch die Verwechselbarkeit der angeglichenen Werke der Konkurrenzdruck extrem steige, schaffe die Jagd nach dem "Wert" Erfolg noch schnellere, noch oberflächlichere Kunst.

Gefährlich, denn das Publikum, dessen Hunger nach "anderem" nicht ernst genommen werde, wende sich irgendwann ab, überdrüssig dieser Massenproduktion von Flachem.

Der Mann hat ein Gegenmittel: die Vision, den Visionär, eben diesen Künstler, den alle für verrückt erklären.
"Das Unverstandene von heute ist die Essenz von morgen" schreibt er.
Diese Visionäre, stellt er sich vor, treten mit dem herrschenden "Wie" in Dialog und entwickeln ein neues "Was". Und zwar ein "Was", das nicht mehr materialistisch ausgerichtet ist, sondern "ein inneres Element der Kunst selbst", die "Seele der Kunst". Das "Wie" ist für ihn der Körper, die Form - es kann nur in gesundem Gleichgewicht mit einem "Was" existieren.

Wie er sich das Arbeiten eines solchen Visionärs vorstellt und wie eine neue Kunst in einer solchen Zeit aussehen kann, beschreibt er in seinem Buch. Brandaktuell, nicht wahr?

Der Künstler, von dem diese Gedanken stammen, heißt Wassily Kandinsky (1866-1944).
Das Buch, in dem er diese Gedanken entwickelt, hat er auf Deutsch und Russisch verfasst (ich benutze eine französische Gesamtausgabe und übersetze leider rückwärts), es ist auf Deutsch wieder aufgelegt worden:
Über das Geistige in der Kunst. Insbesondere in der Malerei. Benteli Verlag Bern, 2004

Kandinsky hat dieses Buch 1909 geschrieben, es ist 1911 erschienen. Er ist nicht bei der Theorie geblieben, sondern hat 1910 die Vision wirklich gemacht: Er malte das erste abstrakte Bild der modernen Kunst. Europas Avantgarde sorgte für eine Revolution im materialistischen Massenmarkt, es begann eine Blütezeit neuer Ideen nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch in der Literatur, in der Musik und im Tanz, im Film, im Theater.
Sein zeitloses Buch empfehle ich nicht nur jedem Maler und Liebhaber abstrakter Kunst, sondern jedem Künstler überhaupt, der sich mit dem "Was" beschäftigen möchte.
Könnte das "Rezept" auch heute wieder funktionieren?